В творчестве выдающегося немецкого композитора Иоганна Себастьяна Баха жанр партиты (итальянское название сюиты) встречается довольно часто. Композитор и его современники использовали термин «партита» для обозначения инструментальных циклов разнообразного характера, в том числе и для скрипки соло. Партита обычно включает пять частей: Аллеманда (немецкий медленный танец), Куранта (французский спокойный танец), Сарабанда (испанский танец, с XVII века постепенно распространявшийся в Европе), Жига (быстрый народный танец кельтского происхождения), Чакона (испанский танец, исполняемый в быстром темпе в сопровождении пения и звуков кастаньет). Однако, в Партите до минор Бах предваряет цикл пьесой Синфония, а в качестве двух последних частей вводит Рондо и Каприччио, тем самым создавая новое решение цикла. Термин Синфония на рубеже XVI—XVII вв. обозначал инструментальный эпизод в вокально-хоровой или сценической музыке. Благодаря Баху, он вошел в инструментальную музыку и стал определять свободную по характеру пьесу. Ее темповое решение установлено композитором по нарастающей: от Grave adagio через Andante к завершающему Allegro. Синфония обрела самостоятельную концертную жизнь, ее звучание оказалось возможным в переложении для многих инструментов. Ведущая солистка симфонического оркестра Чикаго Мария Луиза Райан-Фореро осуществила аранжировку пьесы для арфы.

В богатейшем наследии выдающегося композитора, представителя венской классической школы Людвига ван Бетховена произведения для скрипки занимают весьма значительное место. Среди подобных сочинений выделяются 10 сонат для скрипки и фортепиано, большая часть которых относится к раннему периоду творчества музыканта (1795-1802 годы). Обращаясь к жанру классической инструментальной сонаты, Бетховен проявляет неистощимую фантазию и изобретательность. Он стремится расширить традиционную форму, в результате чего сонатный цикл, приобретая масштабность и значительность, приближается к симфоническому. Соната № 3 – последняя из цикла трех скрипичных сонат опуса 12, была закончена композитором в 1798 году. П. И. Чайковский говорил о наличии в ней «обдуманного совершенства формы и неподражаемой оригинальности». Интонационно и образно Соната напоминает скрипичные творения В. А. Моцарта, но в целом она уже демонстрирует новый художественный стиль, отличающий романтическое искусство XIX века. Первая часть (Allegro con spirito) построена как драматический диалог двух исполнителей, в качестве исходного ее мотива использована характерная бетховенская ритмическая фигура, предвосхищающая знаменитый «мотив судьбы» из Симфонии № 5. Вторая часть (Adagio con molto espressione) – лирически проникновенный эпизод, в котором композитор отказывается от обычной пейзажности, сосредотачивая внимание на внутреннем мире человека. Третья часть (Rondo. Allegro molto) решена Бетховеном как динамичное рондо, что в целом характерно для многих сонат композитора, поскольку настойчивое возвращение одной темы (рефрена) утверждает ее образное главенство, подчеркивает ее значимость. Все три скрипичные сонаты Бетховен посвятил своему учителю – Антонио Сальери.

Французский музыкант Жан–Батист Арбан приобрел в свое время европейскую известность как виртуозный исполнитель на корнет-а-пистоне и композитор, создавший для этого инструмента значительное количество блистательных сочинений. Арбан был также известным дирижером, не случайно в 1874 году он был приглашен в Россию императором Александром II дирижировать знаменитыми концертами в Павловске, где выступал несколько лет. Самым известным сочинением композитора является его «Вариации на тему итальянской народной песни “Венецианский карнавал”», впервые изданное в 1864 году. На эту тему было в свое время написано известное скрипичное сочинение Н. Паганини «Венецианский карнавал», и ей же посвящены поэтические строки Теофиля Готье:
«Есть ария одна в народе,
Её на скрипке пилит всяк,
Шарманки все её выводят,
Терзая воющих собак.

И табакерке музыкальной
Она известна, как своя,
Её щебечет чиж нахальный,
И помнит бабушка моя».
В настоящее время сочинение Арбана существует во множестве переложений, в концерте оно прозвучит в исполнении для трубы и фортепиано

Бельгийского скрипача, дирижера и композитора Эжена Изаи называют одним из самых блестящих виртуозов-композиторов, развивавших традиции романтического исполнительства. Пабло Казальс писал, что «имя Эжена Изаи всегда будет для нас означать самый чистый, самый прекрасный идеал артиста». Известность исполнителя и создателя, главным образом, произведений для скрипки сопровождает Изаи на протяжении всей жизни, и одно из ранних сочинений — «Элегическая поэма» сделало его популярным в Европе. Принадлежность сочинения жанру поэмы определяет его драматургические особенности: «Элегическая поэма» предстает как свободная одночастная композиция, построенная на смене контрастных эпизодов — от глубоко трагичных до вдохновенно полетных. Для композитора важно было придать произведению концертные черты, то есть усилить момент сопоставления солирующего инструмента и оркестра (или фортепиано). Скрипка — романтический образ одинокого героя и оркестр (фортепиано) как символ противостоящей ему толпы лишь иногда обретают общность звучания. Свое сочинение Э. Изаи посвятил французскому композитору Габриэлю Форе.

Ноктюрн ми-бемоль мажор – один из ранних русских ноктюрнов, написанный М. И. Глинкой в 1828 году для фортепиано или арфы соло – инструментов, повсеместно использовавшихся в домашнем и салонном музицировании. В России данный жанр завоевал популярность, благодаря Джону Фильду (1782–1837) – ирландскому пианисту и композитору, много лет работавшему в России и известному своими ноктюрнами. Исследователи считают Ноктюрн ми-бемоль мажор «образцом русской арфной миниатюры первой половины XIX века, проникнутой элегическими, мечтательно-романтическими настроениями». В новом для себя жанре М. И. Глинка раскрыл возможность передачи лирического признания, решения пьесы в свободной форме, соединяющей нежность и драматизм высказывания.

Имя американского композитора Джорджа Гершвина (1898–1937), автора многочисленных оперетт, мюзиклов, музыки для кино и театра, большинству слушателей известно, благодаря двум выдающимся сочинениям – опере «Порги и Бесс» (1935) и Рапсодии в стиле блюз для фортепиано с оркестром (1924). Жанр рапсодии - свободного одночастного сочинения с чертами импровизационности – в творчестве разных композиторов очень часто опирается на подлинные народные темы, как это происходит в знаменитых Венгерских рапсодиях Ференца Листа. Гершвин же в свое сочинение вводит джазовые мотивы, создавая ярко национальное сочинение, сочетающее классические принципы и приемы джазовых импровизаций. 12 февраля 1924 года – день премьеры Рапсодии, стал самой значительной датой в биографии Гершвина. Он исполнял партию солирующего рояля. В первых рядах находились прославленные музыканты: С. Рахманинов, И. Стравинский, Я. Хейфец, Е. Цимбалист, Л. Стоковский. Прием Рапсодии был беспримерным. Исполнение оказалось триумфальным,  солист и оркестр вызвали бесконечные овации. С этого дня Рапсодия в стиле блюз стала одним из самых исполняемых сочинений американской музыки
Много лет спустя после рождения Рапсодии Тимофей Докшицер - всемирно известный трубач, в течение 40 лет бывший солистом оркестра Большого театра, - сделал блестящую аранжировку Рапсодии в стиле блюз, по сути превратив ее в Концерт для трубы.

Проф. З.М. Гусейнова

	1. Обязательно оставлять верхнюю одежду в гардеробе.
	2. Обязательно оставлять объемные сумки, рюкзаки, портфели, шуршащие пакеты в гардеробе. Запрещено проносить с собой:аудио- , видео-, фотоаппаратуру, еду и напитки, музыкальные инструменты. В гардеробе есть камеры хранения, в которых можно оставить сумки и небольшие музыкальные инструменты. Крупные музыкальные инструменты в футлярах заносятся в гардероб.
	3. Обязательно иметь при себе сменную обувь (в гардеробе имеются специальные мешки для уличной обуви) либо надеть на уличную обувь бахилы, бесплатно выдающиеся на входе.
	4. Воздержаться от ношения обуви (в том числе в сменной) с каблуками - шпильками и металлическими набойками. На такую обувь необходимо надеть войлочные тапочки, которые выдаются при входе.
	5. Дети до 12 лет не допускаются.
	6. Для посетителей работает буфет. В зале и в фойе запрещается употреблять пищу и напитки, как принесённые с собой, так и приобретенные в буфете.
	7. На время концерта необходимо выключить мобильные телефоны.
	8. Запрещено курить в здании и на территории парадного двора Санкт-Петербургского Дома музыки. Место для курения - за оградой, на наб. реки Мойки.
	9. Запрещено употребление спиртных напитков, применение наркотических или токсических веществ; нахождение в состоянии алкогольного, наркотического или токсического опьянения.
	10. Запрещено проносить на территорию Санкт-Петербургского Дома музыки горючие, взрывоопасные и радиоактивные вещества.

Справки по телефону: (812) 702-60-96.

Билеты можно приобрести в кассах:

• Алексеевского дворца
• В интернет-кассе KASSIR.RU
• В билетных кассах KASSIR.RU на всех станциях метро