Франц Шуберт — выдающийся австрийский композитор, известен как один из основоположников музыкального романтизма. Ему было суждено прожить всего 31 год, но написанного им с лихвой хватило бы на долгую композиторскую жизнь. Создатель жанра романтической песни (известно около 600 его сочинений), 9-ти симфоний, многих камерно–инструментальных опусов, опер, месс, кантат, Шуберт по сути определил направления, по которым шло развитие австро-немецкой музыки 19 века. Активно используя скрипку в составе камерных ансамблей, Шуберт, однако, редко обращался к этому инструменту как сольному. Три сонатины ор. 137, написанные им в марте 1816 года, являют собой один из немногих образцов скрипичной музыки в наследии композитора. Они отразили особый, поэтичный строй музыки мастера, песенность тематизма, идущую от основного жанра в его творчестве. В Сонатине соль минор композитор, продолжая традиции венских классиков и даже вводя в качестве одной из частей Менуэт, переосмысливает их, придавая каждой из четырех частей (Allegro giusto – Andante – Menuetto – Allegro moderato) песенный оттенок. Этому во многом способствует художественное решение партии скрипки, где вокальное начало передается особенно выразительно. Используя особенности жанра (сонатина — это маленькая соната), Шуберт создает последовательность небольших, драматургически связанных пьес, подчеркивая при этом значение солиста, ведущего «диалог согласия» с сопровождающим его фортепиано.
Бельгийский скрипач, дирижер и композитор Эжен Изаи известен как автор восьми скрипичных концертов, Вариаций на тему Паганини, многих пьес, среди которых выделяются Шесть сонат для скрипки соло. Каждую из сонат композитор посвятил кому-либо из известных скрипачей–современников. Последняя, Шестая соната предназначалась испанскому музыканту Мануэлю Кирога. В своем сочинении Изаи обобщил опыт сольной скрипичной сонаты, идущий от И. С. Баха, и воплотил замысел в форме стройного одночастного сочинения, близкого к жанру концерта. Композитор не раз говорил: «Искусство — результат совершенного сочетания мыслей и чувств», это качество отличает и его Сонату.
Томазо Антонио Витали — композитор, виртуоз и педагог, представитель одной из самых известных итальянских музыкальных семей. Им созданы церковные сонаты для двух скрипок и виолончели, Концерт из сонат для скрипки, виолончели и чембало и другие опусы. Самым популярным сочинением композитора является Чакона, которая многими исследователями приписывается не Витали, а впервые исполнившему и опубликовавшему ее в 1872 году скрипачу и композитору Фердинанду Давиду. Изначально чакона — это инструментальная пьеса, ярко представленная в музыке эпохе Барокко. Она строится как полифонические вариации на тему, которая в неизменном виде повторяется в басу. Чакона Витали раскрывает содержательное и колористическое богатство выразительной исходной мелодии, демонстрируя неисчерпаемые возможности солирующей скрипки. В дальнейшем пьеса не раз аранжировалась для разных инструментов, делались также ее переложения для оркестра и для органа.
Один из самых блестящих скрипачей 19 столетия Генрик Венявский, родившийся в Польше, получивший образование в Париже, завоевал европейскую известность, выступая с концертами во многих городах и странах, в том числе в России. С 1860 года Венявский жил в Петербурге, получив место солиста Императорского двора. После открытия в 1862 году консерватории он стал одним из первых ее профессоров, где и работал до 1865 года. Венявский скончался в Москве в 1880 году. Все композиторское наследие музыканта посвящено скрипке, оно в полной мере позволяет осознавать уровень виртуозности и художественности мышления его автора. Г. Берлиоз писал о Венявском: «Это — дьявольский человек, он часто предпринимает то, что невозможно, и более того — он это выполняет». Родные польские напевы стали той благодатной почвой, на которой сформировался круг характерных жанров Венявского. Он писал для скрипки, наряду с крупными сочинениями, мазурки, куявяки и полонезы, превращая традиционные танцы в яркие концертные пьесы. К ним относятся и знаменитые полонезы, в том числе Блестящий полонез № 2 для скрипки и фортепиано, завершенный в 1870 году. Композитор, используя жанровые черты полонеза как танца–шествия, создает феерический, масштабный опус, впечатляющий своей виртуозностью и техническим блеском.
Соната для скрипки и фортепиано фа минор (ор. 80) была обозначена как № 1 самим С.С. Прокофьевым в связи с тем, что работу над ней композитор начал в 1938 году, еще до второй сонаты, а завершил в 1946 году. Прокофьев объяснил причину столь затянувшейся работы в письме к Н.Я. Мясковскому: «Я начал сонату уже давно, но никак не соберусь продолжить: трудно». Премьера сочинения состоялась в октябре 1946 года, и тогда Соната прозвучала в исполнении выдающихся музыкантов — Давида Ойстраха (ему посвятил свое сочинение Прокофьев) и Льва Оборина. Годы работы над произведением, совпавшие с событиями войны, закономерно отразились на содержании Сонаты: она поражает своей сосредоточенностью, подчас мрачностью и болью (исследователи отмечают в Сонате черты «эпитафии или прощания»), лишь иногда оттененной светлыми эпизодами, например, в третьей части. Масштабный четырехчастный цикл (1. Andante assai. 2. Allegro brusco. 3. Andante. 4. Allegrissimo) построен как развернутое эпическое повествование. Первая часть открывается звучанием в характере похоронного марша, в ней выделяются скрипичные пассажи, которые сам Прокофьев определил следующим образом: «это ветер гуляет по кладбищу». Вторая часть возникает как своего рода «демоническое скерцо», в музыкальной ткани которого просматриваются сарказм, ирония, подчас злоба. Третья часть — характерная для Прокофьева светлая и возвышенная, контрастирующая с мрачностью остальных частей. Торжественность финала разрушается периодически возвращающимися «кладбищенскими пассажами» скрипки, не давая ни на миг забыть об основных настроениях Сонаты. Прокофьев в работе с исполнителями объяснял, что Соната должна звучать так, «чтобы люди подскочили на своем месте и спросили: “А не сошли ли вы с ума?”». В 1947 году Прокофьеву за эту Сонату была присуждена Государственная (тогда Сталинская) премия СССР.

Проф. З.М. Гусейнова

	1. Обязательно оставлять верхнюю одежду в гардеробе.
	2. Обязательно оставлять объемные сумки, рюкзаки, портфели, шуршащие пакеты в гардеробе. Запрещено проносить с собой:аудио- , видео-, фотоаппаратуру, еду и напитки, музыкальные инструменты. В гардеробе есть камеры хранения, в которых можно оставить сумки и небольшие музыкальные инструменты. Крупные музыкальные инструменты в футлярах заносятся в гардероб.
	3. Обязательно иметь при себе сменную обувь (в гардеробе имеются специальные мешки для уличной обуви) либо надеть на уличную обувь бахилы, бесплатно выдающиеся на входе.
	4. Воздержаться от ношения обуви (в том числе в сменной) с каблуками - шпильками и металлическими набойками. На такую обувь необходимо надеть войлочные тапочки, которые выдаются при входе.
	5. Дети до 12 лет не допускаются.
	6. Для посетителей работает буфет. В зале и в фойе запрещается употреблять пищу и напитки, как принесённые с собой, так и приобретенные в буфете.
	7. На время концерта необходимо выключить мобильные телефоны.
	8. Запрещено курить в здании и на территории парадного двора Санкт-Петербургского Дома музыки. Место для курения - за оградой, на наб. реки Мойки.
	9. Запрещено употребление спиртных напитков, применение наркотических или токсических веществ; нахождение в состоянии алкогольного, наркотического или токсического опьянения.
	10. Запрещено проносить на территорию Санкт-Петербургского Дома музыки горючие, взрывоопасные и радиоактивные вещества.

Справки по телефону: (812) 702-60-96.

Билеты можно приобрести в кассах:

• Алексеевского дворца
• В интернет-кассе KASSIR.RU
• В билетных кассах KASSIR.RU на всех станциях метро