Итальянский композитор и клавесинист Доменико Скарлатти, творивший в эпоху барокко, в своих сочинениях предвосхитил многие открытия классицизма, заложив образные и структурные основы значимых музыкальных жанров. Большую часть своей жизни Д. Скарлатти провел в Португалии и Испании, где среди других была им написана основная группа сочинений, принесшая известность композитору — свыше 500 сонат для клавесина. Они были созданы в основном для упражнений королевы Марии Барбары, которой Д. Скарлатти давал уроки игры на фортепиано. Сонатам было суждено сыграть важную роль в становлении жанра в различных национальных традициях. Одночастную Сонату соль мажор (номер К. 13 по каталогу Р. Киркпатрика), впервые опубликованную в 1738 году, иногда называют «Токката», благодаря особенностям фактуры и темпа пьесы. Созданную в 1738 году Сонату ре мажор (К. 29) в настоящее время называют одним из наиболее популярных сочинений композитора, отражающих его характерные стилевые черты. Готовя в 1738 году к изданию первый сборник сонат, Д. Скарлатти написал предисловие, словно объясняя идеи и задачи своих сочинений: «Читатель, кто бы ты ни был — дилетант или профессионал, не жди в этих композициях глубокого замысла; это лишь затейливая музыкальная шутка, цель которой — воспитать в тебе уверенность в игре на клавичембало. Не корыстные намерения и тщеславие вынудили меня опубликовать их. Быть может, они будут тебе приятны, и тогда я охотно удовлетворю новые просьбы и постараюсь угодить тебе сочинениями еще более легкого и разнообразного стиля. Итак, подойди к этим произведениям как человек, а не как критик, и ты увеличишь свое удовольствие. Будь счастлив!».
 
В богатом фортепианном наследии австрийского композитора Йозефа Гайдна созданное в 1793 году Анданте с вариациями фа минор часто называют «Маленьким дивертисментом». Исследователи высказывают предположение, что сочинение было написано на смерть М. А. фон Генцингер (1754–1793) — почитательницы и друга композитора. Для своего произведения Й. Гайдн избирает форму двойных вариаций, то есть в основе цикла лежат две контрастные по характеру темы: первая написана в фа миноре, вторая  — в фа мажоре. Они излагаются последовательно, и следующие за темами вариации сохраняют этот порядок: первая и третья вариации развивают первую тему, а вторая и четвертая развивают вторую тему. Цикл завершается финалом, построенным на материале первой, минорной темы, подчеркивая в целом печальный оттенок сочинения.
 
Творчество австрийского композитора и пианиста-виртуоза, чеха по национальности Иоганна Непомука Гуммеля в своем становлении связано с целом рядом выдающихся музыкантов, учеником которых он был в разные годы, — В.-А. Моцарта (1786-1888), Й. Гайдна (с 1795 года). Гуммель дружил с Л. Бетховеном и Ф. Шубертом, а среди учеников Гуммеля был Ф. Мендельсон. Творчество Гуммеля охватывает разные жанры – оперы, мессы, концерты. В 1822 композитор концертировал в России, а позднее использовал в некоторых сочинениях мелодии русских народных песен: «Вариации на темы русских песен», «Русское рондо» для фортепиано, «Полифонические русские народные песни» для 4 голосов, хора и оркестра. Одна из его фортепианных пьес, популярный ноктюрн «Память дружбы» был оркестрован М.И. Глинкой. Рондо «Favori» было написано Гуммелем в 1804 году и посвящено одному из его друзей — Й. Рыжевски. В сочинении композитор показал себя блестящим мастером виртуозного фортепианного письма, предвосхитив в этом плане многие открытия будущих мастеров.
 
Наследие литовского деятеля Микалоюса Константинаса Чюрлениса связано в равной степени с музыкой и живописью: в своих музыкальных опусах он выступал как подлинный художник, а на полотнах передавал музыкальные образы, рождая новое видение в художественных полотнах — «Фуга», «Соната моря», «Соната пирамид» и многих других. Критик В. Г. Каратыгин писал в 1912 году, после концерта в Малом зале Петербургской консерватории, посвященного памяти композитора: «Любопытно разработанные “фоны”, на них мелодические “рисунки”, в которых как-то удивительно остро выдвинуто именно преобладание орнаментально-графического течения мелодических линий...». Особую известность получили фортепианные сочинения, в которых композитор-художник проявил себя как подлинный новатор в области жанров, мелодики, ритмики. Эти особенности стиля М. К. Чюрлениса убедительно представлены в пьесах, включенных в программу сегодняшнего концерта. Среди них – три прелюдии, созданных в разные годы; они возникают как художественные зарисовки, раскрывающие мимолетные образы и настроения (Прелюдия соль мажор VL 338; Прелюдия ре минор VL 344; Прелюдия ре минор VL 239); программные миниатюры «Осень», VL 294 и «Отче наш», VL 260, первая из которых является образцом отражения живописного мышления автора, а вторая, по воспоминаниям сестры композитора, обобщенно определяет характер произведения — скорбного лирического монолога. Последней прозвучит пьеса Чюрлениса «***», VL 186, не получившая авторского названия. Редакция сочинений и создание каталога произведений К. М. Чюрлениса выполнено исследователем В. Ландсбергисом, инициалы которого (VL) и введены в обозначение опусов композитора.
 
Балет “Жар-птица” И. Ф. Стравинского был создан им по заказу С. П. Дягилева для “Русских сезонов” в Париже. Премьера сочинения с огромным успехом прошла на сцене Гранд-опера 25 июня 1910 года и принесла славу композитору, до этого времени никому не известному. В дальнейшем Стравинский многократно возвращался к сочинению, создав три сюиты из балета и сделав многочисленные переложения отдельных его номеров. Транскрипции делали и другие музыканты; один из них – итальянский пианист и педагог Гвидо Агости, выполнивший в 1934 году переложения номеров балета (Поганый пляс Кащеева царства — Колыбельная Жар-птицы — Финал) и постаравшийся сохранить все оркестровые краски сочинения.
 
В творчестве Ф. Шопена жанр ноктюрна («ночной песни») представлен самыми лиричными его пьесами. Все ноктюрны (композитором в течение жизни создано около 20 сочинений) отличаются поэтичностью, возвышенностью, романтичностью в выражении чувств. Такие настроения определяют художественное содержание каждого из произведений, но Шопену удается по-разному его передать в каждой из пьес. Ноктюрны опуса 27 (первый из них —Larghetto, cis-moll) композитор создал в 1836 году. Непревзойденный шедевр, ноктюрн из незатейливой лирической миниатюры превращаются в сложнейшую, драматически насыщенную концертную пьесу. Свою пьесу композитор посвятил герцогине д’Аппони, в салоне которой он часто выступал.
К жанру мазурки Ф. Шопен обращался чаще всего, создав около 60-ти произведений; не случайно последним сочинением композитора стала именно мазурка. К тому же элементы этого польского танца часто проникают в другие сочинения композитора, как бы «просвечивая» сквозь общую музыкальную ткань. Мазурка стала для композитора символом Родины, ее обобщенным образом. По сравнению с остальными сочинениям Шопена мазурки более скромны, в них почти нет виртуозного блеска, здесь на первый план выходит утонченность, одухотворенность, изящество. Эти черты убедительно проявляются в Мазурке си минор op. 33 № 4, написанной в 1838 году и посвященной Розе Мостовской, дочери одного из покровителей композитора.
Термин «баллада» вошел в западно-европейскую музыку первой половины 19 века под влиянием поэзии, где он обозначал развернутое повествовательно-драматическое произведение со сложным сюжетом и неожиданной роковой развязкой. Очень часто в основу баллад были положены фольклорные сказания и легенды, придававшие произведениям особый эпический оттенок. На основе поэтических баллад создавались сначала вокально-инструментальные сочинения (одно из самых известных — баллада «Лесной царь» Ф. Шуберта), затем в творчестве Ф. Шопена утвердился жанр инструментальной, фортепианной баллады — масштабного, одночастного, структурно сложного сочинения, в котором соединены повествовательное и трагическое начало, острые коллизии и выразительная картинность, выражение лирических чувств и переживаний. Шопеном было написано четыре фортепианные баллады, работа над первой из них была завершена в 1835 году. Она стала первым крупным сочинением композитора, в котором переданы его трагические переживания, во многом связанные с судьбой Польши. Небольшое, афористически емкое вступление словно вводит в круг событиях, суть которых раскрывается в дальнейшем. Главная партия — нетрадиционно элегичная, возникающая как воспоминание о давно ушедшем, с чертами вальсовости, далее будет активно трансформироваться, превращаясь в насыщенный драматический монолог. Побочная партия по праву считается одной из самых возвышенно-поэтичных, благородных мелодий Шопена, которая будет приобретать в процессе развития новые оттенки. Драматизм разработки приведет обе темы к сильнейшему конфликту, давая возможность словно воочию убедиться в трагичности событий. В разработке обращает на себя внимание небольшой скерцозный эпизод — блистательно-виртуозный и одновременно по-шопеновски изящный и возвышенный. В репризе композитор меняет местами проведение главной и побочной партий, далее в коде завершая звучание на трагической ноте. Свою Балладу композитор посвящает дипломату барону Н. Штокгаузену.
 
Жанр прелюдии представлен в творчестве С. В. Рахманинова в двух опусах (№ 23 и № 32) и нескольких отдельных сочинениях. Композитор преобразует прелюдии, и многие его творения — уже не миниатюры, они по масштабам приближаются к развернутым музыкальным пьесам. Прелюдии соч. 23 композитор создавал в 1901-1903 годах. Прелюдия Ре мажор № 4 (ей предпослано авторское указание Andante cantabile) отличается подчеркнуто лирическим, «поющим» характером, она словно погружена в волшебную атмосферу окружающей природы. Стремительная Прелюдия до минор № 7 переносит слушателей в иную сферу порыва и страсти, где преобладают «буря и натиск». Прелюдия Соль бемоль мажор № 10 — еще один образец по-рахманиновски выразительной медленной фортепианной пьесы, где преобладает настроение скрытого драматического чувства.
13 Прелюдий соч. 32 созданы С. В. Рахманиновым в августе-сентябре 1910 года, когда композитор с семьей отдыхал в своей любимой Ивановке, и вместе с ранней Прелюдией до-диез-минор (opus 3, № 2, 1892 год) и десятью Прелюдиями соч. 23 они образовали цикл из 24 пьес во всех тональностях, следуя тем самым традиции И. С. Баха и Ф. Шопена. Годы, прошедшие со времени создания соч. 23 до создания соч. 32, многое изменили в творческих взглядах композитора; за это время С. В. Рахманиновым были созданы две оперы, симфония, ряд крупных оркестровых пьес и масштабный Фортепианный концерт № 3, особенности которых получили продолжение в новых прелюдиях. Композитор создавал Прелюдии соч. 32 не по порядку, о чем свидетельствуют авторские даты в рукописях, но затем расположил их в «тонально правильном» порядке. Прелюдии чередуются преимущественно по принципу образно-темпового контраста, выстраиваясь в логичной последовательности и создавая многогранную звуковую картину. Прелюдия ми мажор (№ 3) Allegro vivace основана на столь любимых С. В. Рахманиновым интонациях колокольного перезвона. Насыщенная музыкальная картина строится на сочетании мощной звучности массивных колоколов и веселого звончатого «перепляса» малых колокольцев. Прелюдия си минор (№ 10) Lento принадлежит к числу пьес трагического звучания, не случайно ее основная тема напоминает по характеру народный плач. Общий сумрачный тон, наполненный оттенком погребального звона, усиливается плотной аккордовой фактурой, временами имитирующей хорал. Прелюдия соль диез минор (№ 12) Allegro продолжает характерный для русской музыки образ дороги, где определяющей основной настроение становится тема «однозвучного колокольчика», многократно преобразованная и сопровождаемая остинатной ритмической фигурой. Прелюдия ре бемоль мажор (№ 13) Grave выполняет функцию обобщения всех характеров и настроений в Прелюдиях соч. 32. Пьеса представляет собой развернутую фантазию, где звучные, полные скрытого беспокойства эпизоды, возникающие в начале, сменяются трагическими, вихревыми, достигающими в кульминации стихийного буйства. На завершающей стадии Прелюдии возвращается первоначальная тема, звучащая теперь как ее утверждение. 

Профессор З.М. Гусейнова
 

	1. Обязательно оставлять верхнюю одежду в гардеробе.
	2. Обязательно оставлять объемные сумки, рюкзаки, портфели, шуршащие пакеты в гардеробе. Запрещено проносить с собой:аудио- , видео-, фотоаппаратуру, еду и напитки, музыкальные инструменты. В гардеробе есть камеры хранения, в которых можно оставить сумки и небольшие музыкальные инструменты. Крупные музыкальные инструменты в футлярах заносятся в гардероб.
	3. Обязательно иметь при себе сменную обувь (в гардеробе имеются специальные мешки для уличной обуви) либо надеть на уличную обувь бахилы, бесплатно выдающиеся на входе.
	4. Воздержаться от ношения обуви (в том числе в сменной) с каблуками - шпильками и металлическими набойками. На такую обувь необходимо надеть войлочные тапочки, которые выдаются при входе.
	5. Дети до 12 лет не допускаются.
	6. Для посетителей работает буфет. В зале и в фойе запрещается употреблять пищу и напитки, как принесённые с собой, так и приобретенные в буфете.
	7. На время концерта необходимо выключить мобильные телефоны.
	8. Запрещено курить в здании и на территории парадного двора Санкт-Петербургского Дома музыки. Место для курения - за оградой, на наб. реки Мойки.
	9. Запрещено употребление спиртных напитков, применение наркотических или токсических веществ; нахождение в состоянии алкогольного, наркотического или токсического опьянения.
	10. Запрещено проносить на территорию Санкт-Петербургского Дома музыки горючие, взрывоопасные и радиоактивные вещества.

Справки по телефону: (812) 702-60-96.

Билеты можно приобрести в кассах:

• Алексеевского дворца
• В интернет-кассе KASSIR.RU
• В билетных кассах KASSIR.RU на всех станциях метро