Итальянский композитор и клавесинист Доменико Скарлатти, творивший в эпоху барокко, в своих сочинениях предвосхитил многие открытия классицизма, заложив образные и структурные основы ряда музыкальных жанров. Большую часть своей жизни Д. Скарлатти провел в Португалии и Испании, где среди других была написана основная группа сочинений, принесшая известность композитору — свыше 500 сонат для клавесина. Они были созданы в основном для упражнений королевы Марии Барбары, которой Д. Скарлатти давал уроки игры на фортепиано. Сонатам было суждено сыграть важную роль в становлении жанра в различных национальных традициях, в том числе и русской. В настоящее время созданную в 1738 году Сонату ре мажор (номер К. 29 по каталогу Р. Киркпатрика) называют среди наиболее популярных сочинений композитора, отражающих его характерные стилевые черты. Готовя в 1738 году к изданию первый сборник сонат, композитор написал предисловие, словно объясняя идеи и задачи своих сочинений: «Читатель, кто бы ты ни был — дилетант или профессионал, не жди в этих композициях глубокого замысла; это лишь затейливая музыкальная шутка, цель которой — воспитать в тебе уверенность в игре на клавичембало. Не корыстные намерения и тщеславие вынудили меня опубликовать их. Быть может, они будут тебе приятны, и тогда я охотно удовлетворю новые просьбы и постараюсь угодить тебе сочинениями еще более легкого и разнообразного стиля. Итак, подойди к этим произведениям как человек, а не как критик, и ты увеличишь свое удовольствие. Будь счастлив!».
 
В богатом фортепианном наследии австрийского композитора Й. Гайдна сочинение, созданное в 1793 году, — Анданте с вариациями фа минор часто называют «Маленьким дивертисментом». Исследователи высказывают предположение, что сочинение было написано на смерть М. А. фон Генцингер (1754–1793)  — почитательницы и друга композитора. Для своего произведения Й. Гайдн избирает форму двойных вариаций, то есть в основе цикла лежат две контрастные по характеру темы: первая написана в фа миноре, вторая  — в фа мажоре. Они излагаются последовательно, и следующие за темами вариации сохраняют этот порядок: первая и третья вариации развивают первую тему, а вторая и четвертая развивают вторую тему. Цикл завершается финалом, построенным на материале первой, минорной темы, подчеркивая в целом печальный оттенок сочинения.
 
В 1899 году крупнейший французский композитор Камиль Сен-Санс создает Шесть этюдов для фортепиано ор. 111, в которых обозначено и программное содержание, и виртуозно-техническая задача (1. Мажорные и минорные терции: Allegretto. 2. Этюд на хроматизм: Allegretto. 3. Прелюдия и Фуга: Moderato agitato – Moderato espressivo. 4. Колокола Лас Палмас: Andantino. 5. Мажорные хроматические терции: Vivace. 6. Токката по финалу Пятого концерта, ор. 103: Molto allegro). Каждая из пьес имеет посвящение, и Колокола Лас Палмас связываются композитором с именем французской пианистки  Клотильды Клеберг (1866–1909), исполнявшей сочинения К. Сен-Санса. Лас Палмас  — город на Канарских островах, куда композитор приехал отдохнуть зимой 1889 года и затем неоднократно возвращался.
 
В 1877 году Камиль Сен-Санс заканчивает Шесть этюдов для фортепиано ор. 52, отличающихся особой виртуозностью и яркостью звучания. В каждую из пьес, помимо этюдного «технического задания», композитор вкладывает своеобразную программу, создавая необычную циклическую последовательность (1.Прелюдия. 2. Этюд для независимости пальцев. 3. Прелюдия и Фуга фа минор. 4. Ритмический этюд. 5. Прелюдия и Фуга Ля мажор. 6. В форме вальса). Последний этюд был многократно аранжирован для различных инструментов.
 
Создание фортепианных произведений для одной (преимущественно, левой) руки связано, как правило, с печальными событиями в жизни композиторов и пианистов  — получением ими временных травм или вовсе лишений правой руки. В результате таких событий был создан ряд ярких сочинений, среди которых — известный Концерт для фортепиано с оркестром М. Равеля, Прелюдия и Ноктюрн А. Скрябина и др. Наибольшую известность получила история известного пианиста П. Витгенштейна, который потерял правую руку на Первой мировой войне, и для которого было написано 17 концертов для одной левой руки.
 
Среди композиторов, создававших подобные сочинения, был Феликс Михайлович Блуменфельд  — концертирующий пианист, композитор, дирижер. Начальную подготовку он получил у своего родственника Г. В. Нейгауза (отца Г. Г. Нейгауза). В 1881–1885 годах Ф. Блуменфельд обучался в Петербургской консерватории у Ф. Ф. Штейна в классе фортепиано и Н. А. Римского-Корсакова в классе композиции. Он был постоянным участником собраний Могучей кучки, затем вошел в состав Беляевского кружка. В 1885–1905 и 1911–1918 Блуменфельд преподавал в Петербургской, в 1920–1922 – в Киевской консерваториях; в 1918–1920 возглавлял Музыкально-драматический институт им. Н. В. Лысенко в Киеве; с 1922 вел классы фортепиано и камерного ансамбля в Московской консерватории. Среди его сочинений разных жанров  — широко известный, блестящий Этюд для левой руки Ля бемоль мажор, написанный в 1905 году (Блуменфельд повредил правую руку при игре в теннис). Автор посвятил его известному американскому пианисту Леопольду Годовскому (1870–1938).
 
Жанр рапсодии – музыкального произведения, написанного в свободной форме на фольклорные темы и построенного как чередование нескольких контрастных эпизодов, получил свое высшее выражение в творчестве выдающегося венгерского композитора, пианиста и дирижера Ференца Листа. 19 Венгерских рапсодий композитора ставили основной задачей передать красоту венгерских подлинных фольклорных мелодий. В одном из писем Ф. Лист писал о народных темах: «Какой чудный, волшебный калейдоскоп из печали, обездоленности, душевной глубины, избытка чувств, задора, изящества, мечтательности, серьезности, кокетства, тоски и горя. Я и задался целью передать глубинную, проникновенную, величественную и свободную, устремленную ввысь поэзию нашей национальной музыки». Первая Венгерская рапсодия была создана им в 1851 году, последняя — в 1885.
Для Ф. Листа работа в жанре рапсодии была связана с желанием написать блестящую концертную фантазию для фортепиано на основе фольклорных тем. Стиль «вербункош», на который опирался композитор, предполагал создание сочинений в импровизационной манере, отражающих богатую ритмику и ладовое своеобразие народной музыки. Большинство рапсодий строится на сопоставлении двух контрастных элементов – медленного танца-шествия и темпераментного чардаша. Последнюю Венгерскую рапсодию № 19 композитор создал за год до своей смерти. В ее основу положен чардаш известного венгерского музыканта Корнеля Абраньи. Традиционное торжественное медленное начало одночастной композиции, построенное на четырехзвучной теме, словно вводит в основное, динамически насыщенное действо. Ряд ярких контрастных тем развивают основной мотив, постепенно усиливая и все более подчеркивая виртуозное начало Рапсодии. Выдающийся русско-американский пианист Владимир Горовиц создал собственную, транскрипцию сочинения (а также нескольких других рапсодий), высказав мысль, что листовский оригинал не всегда обнаруживает достойную обработку превосходных музыкальных тем, к тому же открывает большие возможности для усиления виртуозно-импровизационного начала.
 
Фортепианный цикл «Картинки с выставки» был написан Модестом Петровичем Мусоргским в 1874 году в память о друге, архитекторе и художнике Викторе Гартмане. Цикл построен композитором как программная сюита из 10 пьес, перемежающихся интермедиями. В ней сочетаются картинки из реальной жизни и сказочной фантастики с образами из далекого прошлого. Каждой пьесе Мусоргский дает название и все пьесы связывает между собой темой-интермедией «Прогулка», изображающей переход от картины к картине. Такое построение сюиты — единственное в классической музыке.
Прогулка. Тема из этой пьесы, близкая по характеру русским народным напевам, проводится на протяжении сюиты несколько раз. В ней Мусоргский словно изобразил самого себя, переходящего от картины к картине. Он писал В.В. Стасову: «Моя физиономия в интермедиях видна».
1.  Гном. На рисунке Гартмана была нарисована елочная игрушка, изображающая щипцы для колки орехов («щелкунчик») в виде карлика на кривых ножках. Этот образ и передает композитор своей музыкой.
2. Старый замок. По воспоминаниям Стасова, рисунок изображал старинный замок, на фоне которого был нарисован трубадур с лютней.
3. Тюильрийский сад. Ссора детей после игры. Стасов писал, что на рисунке была изображена аллея сада парижского дворца Тюильри «со множеством детей и нянек».
4. Быдло. В письме к Стасову Мусоргский назвал эту пьесу «Sandomirzsko bydło» (польск. «Сандомирский скот»). Пьеса изображает, по примечанию Стасова, польскую телегу на огромных колесах, запряженную волами.
5. Балет невылупившихся птенцов. Прототипом пьесы послужили эскизы В. Гартмана к костюмам для балета Ю. Гербера «Трильби», поставленного выдающимся хореографом М. Петипа в 1871 году.
6. «Самуэль» Гольденберг и «Шмуйле». Гартман когда-то подарил Мусоргскому два своих рисунка «Еврей в меховой шапке» и «Бедный еврей. Сандомир», сделанных в 1868 году в Сандомире, и которые композитор тоже включил в свою галерею. В изданиях сейчас пьеса обычно называется «Два еврея, богатый и бедный».
7. Лимож. Рынок. (Большая новость). В нотной рукописи этой пьесы Мусоргский первоначально сделал по-французски забавные пометки о том, какие сплетни можно было услышать на рынке.
8.  Катакомбы. Римская гробница. На картине Гартман изобразил себя с другом и проводника с фонарем в руке в римских катакомбах в Париже.
С мертвыми на мертвом языке. Из «Катакомб» появляется минорная вариация «Прогулки», в которой автор словно разговаривает с духом Гартмана.
9. Избушка на курьих ножках (Баба-Яга). У Гартмана был эскиз изящных бронзовых часов в виде избушки на курьих ножках. Но Мусоргский изобразил контрастный образ Бабы-Яги. Он создал мощную драматическую картину «нечистой силы».
10. Богатырские ворота (В стольном городе во Киеве). Эта часть сюиты посвящена эскизу Гартмана, выполненному к его архитектурному проекту киевских городских ворот. Пьеса служит финалом цикла – яркой, мощной картиной народного торжества.
 
Профессор З.М. Гусейнова

	1. Обязательно оставлять верхнюю одежду в гардеробе.
	2. Обязательно оставлять объемные сумки, рюкзаки, портфели, шуршащие пакеты в гардеробе. Запрещено проносить с собой:аудио- , видео-, фотоаппаратуру, еду и напитки, музыкальные инструменты. В гардеробе есть камеры хранения, в которых можно оставить сумки и небольшие музыкальные инструменты. Крупные музыкальные инструменты в футлярах заносятся в гардероб.
	3. Обязательно иметь при себе сменную обувь (в гардеробе имеются специальные мешки для уличной обуви) либо надеть на уличную обувь бахилы, бесплатно выдающиеся на входе.
	4. Воздержаться от ношения обуви (в том числе в сменной) с каблуками - шпильками и металлическими набойками. На такую обувь необходимо надеть войлочные тапочки, которые выдаются при входе.
	5. Дети до 12 лет не допускаются.
	6. Для посетителей работает буфет. В зале и в фойе запрещается употреблять пищу и напитки, как принесённые с собой, так и приобретенные в буфете.
	7. На время концерта необходимо выключить мобильные телефоны.
	8. Запрещено курить в здании и на территории парадного двора Санкт-Петербургского Дома музыки. Место для курения - за оградой, на наб. реки Мойки.
	9. Запрещено употребление спиртных напитков, применение наркотических или токсических веществ; нахождение в состоянии алкогольного, наркотического или токсического опьянения.
	10. Запрещено проносить на территорию Санкт-Петербургского Дома музыки горючие, взрывоопасные и радиоактивные вещества.

Справки по телефону: (812) 702-60-96.

Билеты можно приобрести в кассах:

• Алексеевского дворца
• В интернет-кассе KASSIR.RU
• В билетных кассах KASSIR.RU на всех станциях метро