Соната для виолончели и фортепиано № 4 Людвига ван Бетховена – одна из пяти сонат, написанных композитором. Ее создание датируется 1815 годом, периодом, когда композитор уже потерял слух. Бетховен посвятил Сонату графине Марии фон Эрдёди. В бетховенской рукописи Четвертая соната сопровождается авторской ремаркой «Свободная», определяющей особенности формы произведения: композитор в своем сочинении отходит от классических канонов сонатного цикла, не ставя указания частей, но выделяя разделы уточнениями темпа и характера. Вступительное Andante и Allegro vivace образуют условно первую часть, а Adagio, Tempo d'Andante и Allegro vivace — развернутую вторую часть. Свободная композиция Четвертой сонаты позволяет Бетховену создать цельный драматический образ, предстающий в разных ситуациях. Выразительная мелодика, яркая гармония, насыщенная виолончельная и фортепианная фактура обеспечивают камерному сочинению почти симфоническое звучание, достигающее в кульминациях небывалой силы.
Работа Л. ван Бетховена над Фортепианной сонатой № 17 (ор. 31 № 2) проходила в 1801-1802 годы. Созданное сочинение обозначило несомненнуюего принадлежность к числу наиболее патетичных, динамически насыщенных сонат композитора. Ее содержание во многом связывают со словами самого Бетховена, который в ответ на вопрос о программе сочинения ответил: «Прочтите “Бурю” Шекспира». Выдающийся музыкальный писатель Ромен Роллан говорил, что Соната № 17 «представляет один из наиболее поразительных у Бетховена примеров прямой речи в музыке. Это он, он сам!». В Сонате, своеобразном монологе композитора, обозначена, наряду с темой бури, яркая тема любви, передающая трепетные чувства Бетховена. Первая часть (Largo. Allegro) строится на сочетание уже в рамках главной партии контрастных настроений, где первые такты (Largo). звучащие медленно, словно в раздумье, сменяются быстрыми пассажами (Allegro), создающими необыкновенный по силе образ страстной тревоги. Эти образы обозначены и в побочной партии, и в последующих разделах первой части, в конце которой, однако, происходит постепенное «истаивание» грозных образов и наступление затишья. Вторая часть (Adagio) раскрывает другой образный мир, где преобладают созерцательные настроения, а общее звучание близко ноктюрну. Финал сонаты (Allegretto) начинается с многократного проведения первой фразы финала (К. Черни писал, чтоона была создана композитором под впечатлением галопа лошади), но наполненной высоким поэтическим смыслом и демонстрирующей богатые возможности для варьирования. Композитор щедро использует интонационные и ладотональные приемы, ритмические и фактурные преобразования, усиливая фольклорное начало, создавая тем самым энергичную, динамически насыщенную музыкальную картину.
Масштабное и разнообразное в жанровом отношении наследие Сергея Сергеевича Прокофьевасодержит и ряд поразительных камерно-инструментальных сочинений, среди которых выделяется его Соната для виолончели и фортепиано До мажор (1949). После первого исполнения Сонаты 1 марта 1950 года в Малом зале Московской консерватории друг композитора Н.Я. Мясковский записал в своем дневнике: «Вчера Ростропович и Рихтер играли открыто Виолончельную сонату Прокофьева –первоклассное, изумительное произведение». Эти слова предопределили творческую судьбу нового сочинения.
Композитор ввел в Сонату в качестве эпиграфа слова М. Горького «Человек – это звучит гордо», определяя тем самым образный строй сочинения: масштабность, возвышенность, могучую силу и интеллект. Сохраняя трехчастное строение (I. Andante grave. II. Moderato. III Allegro ma non troppo), композитор в каждой из частей разрабатывает самостоятельную образную сферу: эпичность первой части сменяется юмористическим, подчас озорным звучанием второй, и обе эти линии завершают свое развитие в третьей части, дополненные разнохарактерными, энергичными лирико-драматическими элементами. Очень важна заключительная кода: она построена на главной теме из первой части, которая теперь звучит как апофеоз, обрамляя таким образом и достойно завершая инструментальный цикл.
Фортепианное наследие Фредерика Шопена по праву считается одной из вершин мирового музыкального искусства. Грандиозное по масштабам, по количеству представленных жанров, по силе художественного воплощения, оно не знает себе равных в искусстве прошлого и настоящего. Выдающийся сын Польши, ее певец и ее божество, Шопен сделал музыку своей страны величайшим достижением европейского искусства.
Мазурки в творчестве Ф. Шопена стали одними из ключевых: основная часть пьес (их в общей сложности более 50-ти), опирающихся на польский народный танец, были написаны в Париже. Композитор практически не цитирует подлинных напевов, но в собственных пьесах достигает уровня, превращающего незатейливые народные интонации в сочинения высокой художественной значимости. Пять мазурок ор. 7 Шопен создает в течение нескольких лет (1824-1831) параллельно с другими фортепианными пьесами, посвятив их в итоге одному из своих слушателей П. Э. Джонсу. Мазурки ор. 7 различны по характеру, но все объединены общей ритмической фигурой танца. Первая (Vivace, Си бемоль мажор) – самая известная пьеса в цикле, она решена в характере бального танца. Вторая (Vivo, ma non troppo, ля минор) принадлежит к числу лирических мазурок, здесь несколько сглажен танцевальный эффект. В Третьей мазурке (фа минор)композитор не вводиттемпового обозначения, словно предоставляя исполнителю возможность создавать собственную интерпретацию. Б. В. Асафьев отмечал в мазурке черты «своего рода серенады, прерываемой акцентами и шумами танца, но среди танца же ведущейся».Четвертая мазурка (Presto, Ля бемоль мажор) была сочинена первой (1824), но композитор, формируя условный цикл, помещает ее, благодаря некоторой скерцозности характера, на четвертую позицию. Здесь особенно сильно ощущается фольклорная основа танца. Пятаямазурка (Vivo,До мажор) решена композитором в несколько юмористическом ключе, она, со своей живостью, нарочитой неуклюжестью и «бесконечности» (в пьесе нет привычного финального аккорда), достойно завершает фортепианный цикл.
Жанр скерцо вошел в музыку в эпоху Классицизма, будучи призванным передавать настроения шутки, игры. У Шопена в его четырех скерцо, ставших самостоятельными пьесами, жанр коренным образом переосмысливается, наполняется новым содержанием. Его скерцо серьезны, драматичны, а само понятие «игры» здесь трактуется как возможность создавать свободную композицию, построенную на сопряжении разнохарактерных эпизодов. Скерцо № 2, написанное Шопеном в 1837 году, представляет собой блестящий образец такого творческого решения. Здесь конфликтность, заложенная в основной теме (таинственное, угрожающее начало и торжественное, с элементами полонеза, продолжение), находит подтверждение в контрастной, поэтичной кантилене побочной партии с бравурным звучанием заключительной темы. Красота мелодики, богатство фортепианных приемов, блестящая виртуозность делают сочинение одним из самых ярких и вдохновенных в наследии композитора.
 
Проф. З.М. Гусейнова

Вход на творческие встречи - бесплатный, по аккредитации.

А билеты на концерты можно приобрести в кассах:

• Алексеевского дворца
• Дворца Белосельских-Белозерских
• в Интернет-кассах KASSIR.RU
• В билетных кассах KASSIR.RU на всех станциях метро